访画家李学梅：一花一世界
国画家里面，李学梅是特立独行的。
这样说，原因有三。其一、斗室之内，潜心作画二十余年，近乎隔离状态，读书、创作、思考，成为她的生活常态；其二、于工笔与写意之间，李学梅历经“师古、师自然、师心”三个阶段的磨砺，终究找到自我，是传承中的突破，是继承上的发展，是有着鲜明个性的思想与艺术上的体验。其三、无功利心的创作实践，使得李学梅更加接近艺术的本真。最起码，这样的创作心态，一直令她很安静，甚或是散淡与闲适的。
怡情紫竹园
近些年，李学梅的大部分时光是在北京紫竹园、以及园北边的一处小屋里度过的。这里，竹深荷静，淡雅、清秀，很合她的性情，有道是：春风暖筱百花舒，夏霭轻舟翠盖浮，秋雨润芦枫叶艳，冬云瑞雪映松竹。她常常是，携一卷书，拎一壶茶，或者两手空空什么也不带，就隐没于园里的茂林修竹之间，或是安坐在屋子里零乱的书案前……仿佛能看得见光阴水一般地慢慢流动。她很享受这种节奏与感觉，即使迎面而来的一股轻风，即使头顶间或响起的三两声鸟鸣，即使荷尖上立着的一只蜻蜓或蝶或蜂或鸟，即使叶片罅隙间漏下的一缕暖阳，即使窗前的书案铺了半面的月色，等等，都会令她无端地感动，甚至于陶醉。
就像踮起脚尖轻轻穿过一块草坪，李学梅的日子简单而又恬静。日常里，作画之余，她总会花大量时间读书，涉及艺术的、哲学的、文学的、历史的，等等。然而，她却很少打理自己——
初见面时，我很吃了一惊，她浑身上下，衣着极其随意，关节处皱皱的，扇面一样扎眼；脸色光鲜、素净，却没涂抹任何化妆品；头发剪得很短，且硬，钢针一样挺立……一开口，却是柔声细语，满目笑颜，与她的行头、装扮显出极大的不相衬。
而且，醉心于书画世界，李学梅极少与外界交往，尤其是自从儿子参加工作，丈夫从地方领导干部退下来之后，更少了家庭琐事，便一门子心思全都在读书、作画上了。采访中，她的丈夫徐先生向我讲了一件趣事：某日，一人慕名往家里打了个电话，说想购她的一幅画，李学梅接起电话，竟然回复说，“李学梅不在家!”说罢，挂了电话，仍旧埋头作她的画。
千万别以为李学梅是个书呆，或画痴。日常生活里，她是风趣幽默的，那日与她全家人一同吃午饭时，聊及儿子还未找到女朋友时，她呵呵一笑，一伸手，摸着儿子徐小亮的后脑勺，说：“亮哥，咋弄得，这点小事儿都摆不平?”当着客人的面，弄得“亮哥”很跌面子……至于丈夫老徐，原本就是她的铁杆粉丝，退出官场回家后，除了喜滋滋地为她磨砚铺纸外，俨然摆出一副“后勤部长”与“经济人”的架式……我之所以把李学梅家的这一点点见闻写进文章来，是因为从她的日常生活背景里，切身感受到她创作环境的宽松、和谐、自由。
是的，李学梅当下的生活状态，近似于“大隐隐于市”的境界。可也正是这种状态，让她很是自由、很是自然地体悟到艺术深处的美妙，激发出无限的灵感。当然，这种体悟与灵感，决不单单是创作技法上的突破，更多的是思想意识或者说是哲学概念上的一种全新体验与提升。
一花一世界
关于李学梅的画，外界了解得很少。尽管她也参加过全国性这样或那样的大赛，得到过这样或那样的大奖，却因为世界观或价值观的问题，极少抛头露面，极少走进公众与市场，而为人寡知了。她的作品，就如同悄悄盛开在大山深处的一枝野花，虽不被关注，却自成天然，兀自怒放。对于媒体，她作了二十余年的画，竟然是头一次接受采访，竟然是在丈夫老徐及他的媒体朋友极力劝说下促成的。
从形式、感官上看，李学梅笔下的花鸟，即使大尺幅的作品，大多是波澜不惊的。取材亦或表现手法，她从不跟风逐流，不追求感官刺激，而总是舒缓幽远的，是娓娓道来的，恰似空谷涧的一弯小溪水，淙淙流淌，既空灵清澈，又韵味绵长。
说到这里，我以为最值得一提的是，李学梅艺术创作上的突破与创新了--那就是大胆将构成中国工笔画最基础的线条与色彩弱化，把传统写意画的造境长处吸收进来，再加上工笔画造型上的细腻表达，从而使得她的创作表达，进入另一个全新的高度与境界。
对于传统或现代中国工笔画的认识，绝大多数时候的理论定位是：中国的工笔画历史，从战国到两宋，创作上从幼稚走向了成熟。工笔画使用“尽其精微”的手段，通过“取神得形，以线立形，以形达意”获取神态与形体的完美统一。在工笔画中，无论是人物画，还是花鸟画，都是力求形似，“形”在工笔画中占有重要的地位。与水墨写意画不同，工笔画更多地关注“细节”，注重写实，唐代周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》，张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》描绘的都是现实生活，这些作品不仅具有很强的描写性，而且富有诗意。明末以后，随着西洋绘画技法传入中国，中西绘画开始相互借鉴，从而使工笔画的创作在造型更加准确的同时，保持了线条的自然流动和内容的诗情画意。
这样看来，李学梅创作实践的主要成分，与传统，或与现实认同，是有着很大的不同。然而，我之所以认为她是对传统的发展、突破、创新，是因为她的艺术取向及美学追求，是与传统相一致的。通俗地说，她的花鸟工笔画，弱化线条与色彩，只是为了更好地将“形”与“神”统一起来。
“形神论”是中国传统绘画理论体系的主流论调，至于形与神之间，孰轻孰重，孰是孰非，历来各有说辞、争执不下。往往有两种现象，其一、重“神”轻“形”，忽略了摹形造象等中国画基本功的砥砺，已严重偏离了绘画的本体性；其二、重“形”轻“神”，缺失了文化、思想以及人格、品位等方面的修养，势必导致绘画内涵上的虚空。客观辩证地看，唯有形神兼顾，齐头并进，方可真正迈进艺术大堂。
理论方面的事，太枯太涩，暂且按下不说。随我一同走近李学梅，走进她的花鸟世界——
这是一种多么美妙的感觉!看啊——
风轻轻吹过水面，就把半塘的荷花叫醒；只微微一晃，一溜儿的露珠在荷面上就站立不住，摇摇欲坠……你听，水珠儿划过荷面，好像真的能够听得到哟；看，那儿有只水鸟，懒懒地卧着，像是打着瞌睡；一只蜻蜓飞过来，她想停在花柄上，又似乎担心什么，四片薄翼不停地煽动……
是的，李学梅的画总能传达出这种静而美的情绪，总能把明媚的阳光、轻柔的春雨播洒进你的心田。除此抒情达意之外，色调上，她的画，古意浓郁，静谧柔和，像是从遥远的宋朝而来……我的感觉是，她笔下的花鸟，扎根在心里，生长在纸上，盛开或凋零在人的灵魂深处。
恰如那句禅言妙语：一花一世界，一叶一菩提，春来花自清，秋至叶飘零，无穷般若心自在，语默动静体自然。
对话李学梅
记者：李老师，请谈谈您在创作实践中的一些感受，或者是体验与心得。
李学梅：中国花鸟画是东方乃至全世界唯一的画种，西方也有花鸟画，有二种，一是标本，二是静物，把花插在瓶子里，把死鱼放在盘子里，名字起得好——静物，是不动的，所以，重在外形，对内在精神刻画不足。
而中国花鸟画，不仅重形和色，更重视内在的精神，要求画活，有生命感，那怕一个草虫，都是活的。中国画的意象，既借助于具象，也借助于抽象，既写实又写意，因此，它依赖于哲学和文学的发展，渗透了中国儒、释、道等诸多学说的哲学思想，譬如，“道生一，一生二，二生三，三生万物”、“天人合一”等等。它不仅仅表现自然形态，象花木禽鸟的美，大自然的美，它还是中国人传情寄怀来表达思想意念，体现中华民族的文化精神，也早已超出了花鸟本身的意义。
中国画的色彩，“随类赋彩”是中国古代画论“六法”中提到的着色理论。以固有色归类的设色方法，并不是完全依照自然界的色彩类别来处理的，而带有很大的主观性。服从主题，表达思想感情，直抒胸臆，大胆地改变事物的固有色，叶子可以是黑的，花也可以画成绿的，以期达到物我合一之境。其二、色彩讲究单纯中求变化，花不要搞得太复杂，不能一半红一半绿，一个画中要有一个主色调，其他为辅；也不能大红大绿，太过火气，要把色压下去，弱化色彩，以求淡雅静谧，画面氛围和谐统一。
造型上，弱化线条，脱离大自然的具象，随方就圆，你可以把物象画成你想象的模样，叶子可以是方的，花也可以是方的——突破传统，突破本真的大自然的东西。
我平时画得最多的是荷花、牡丹，是人民群众所喜闻乐见的。在我国绘画史上，工笔画荷的名家层出不穷，最为著名的，有南宋吴炳的《出水芙蓉》，清代任佰年的《荷花鸳鸯图》，民国谢稚柳的《荷雀图》，近代张大千的“大千荷”，以及当代黄永玉的荷花，等等。至于牡丹精品，更是撼人心魄、不胜枚举。
我以为，要学好中国工笔画，必先学做人。特别是当今喧闹的都市里，面对沸腾的经济大潮，画家很容易受到影响，使得心浮气躁，一味迎合，迷失自我。艺术上要想有所作为，就要求一种慢生活、慢节奏，让心静下来，再静下来。你可以放松一些，静静地赏一幅画，品一壶茶，看天边云卷云舒，正是：“若无闲事在心头，便是人间好时节”，又如作家茣言所说的“好生活还是慢着点、悠着点。”
而我呢，“一把紫砂壶，二两明前茶，独坐一斗阁，思绪到天涯”。唯此，足矣!